Regole generali

Regole Storytelling

 - Nelle scene in cui si compie un'azione, l'azione deve essere sempre prima o dopo l'azione e MAI durante.

- Il font può trasmettere emozioni in base al racconto, basta usarne senza abusarne.

- Le vignette seguono un ritmo di tempo e la linea del senso di lettura, sfruttare le vignette in base al racconto

-In caso di fumetto romanzo usare uno studio intelligente per raccontare con le immagini la singola scena 

- Le scene devono essere sempre chiare e fluide e non ci deve mai essere un elemento di disturbo per il senso di lettura che si vuole dare in base al racconto.

- Più una figura è chiara e meglio è compresa e funzionale

- Più una cosa è semplice più ha effetto

Regole Disegno

- Ricordarsi sempre che qualsiasi organismo vivente ha alla base uno scheletro su cui viene costruito tutto, studiare bene uno scheletro comporta un utilizzo corretto delle proporzioni

- Conoscere bene l'apparato muscolare per intero è utile fino a un certo punto: Molti muscoli restano al di sotto di altri, difficili se non impossibili da vedere sotto pelle, alla fine è meglio una figura credibile e funzionale

- I muscoli sono antagonisti tra loro, per cui se un muscolo compie un determinato movimento ci sarà sempre un altro opposto che ne farà il contrario
- Se una posa ti risulta difficile da inserire in uno spazio o comunque disegnarla in un angolazione diversa prova a disegnarla su un foglio a parte di profilo, per capirne la giusta forma 
-Il bacino è il centro dell'equilibrio di un corpo
- Se ti sembra che una parte del corpo disegnata sia lunga o corta rispetto al normale ma le tue basi di misurazioni (Esempio attaccatura dell'avambraccio con il braccio è all'altezza dell'ombelico) è perché probabilmente anche l'altra unitòà è sbagliata

- Quando si esegue una scena in cui si usa la prospettiva bisogna SEMPRE usare la linea d'orizzonte come riferimento per un corretto inserimento di personaggi in uno spazio. 

- In una prospettiva a campolungo usa SEMPRE gli elementi circostanti come unità di misura

- Nascondere il punto di fuga con un elemento naturale in una scena che sembra un enorme corridoio può essere utile per evitare appunto l'effetto corridoio, ma funziona solo con la prospettiva centrale

- Per evitare l'effetto corridoio usare più spesso prospettive a più punti di fuga

- I punti di fuga sono quasi sempre fuori dalla vignetta, è preferibile che lo siano quasi sempre

 - Anche le figure anatomiche seguono sempre i punti di fuga nella scena
-La prospettiva può variare in base a ciò che si racconta, se si sposta l'inquadratura leggermente di diagonale la scena risulterà più dinamica. 
-In una composizione (Ma anche in vari disegni) gli elementi devono sempre essere perpendicolari tra loro e quasi mai paralleli

 

Regole Inchiostro

- Regola primaria, se il disegno fa schifo l'inchiostrazione farà schifo a sua volta o comunque non riuscirà MAI a migliorare il prodotto

- Studiare le singole vignette singolarmente è quasi sempre controproducente, è consigliabile e preferibile decidere nelle vignette quali neri inserire PRIMA di lavorarci sopra.

- La luce e il tempo influisce sulla disposizione di neri, durante la notte ci saranno molti neri e durante il giorno saranno minimi

- Per rappresentare scene di pomeriggio basarsi sulle nuvole nere e le ombre allungate per ottenere l'effetto sperato, va bene anche per rappresentare l'alba

- Per rappresentare scene nuvolose e/o di pioggia, ricordarsi dell'umidità e della nebbia, per cui le figure e gli elementi all'interno dello spazio perderanno definizione ma i neri saranno ridotti e MAI come le fasi notturne, a meno che la scena non avviene esattamente di notte.

- Le line cinetiche servono a suggerire, e a volte enfatizzare il movimento, ma non significa che per queto ne dobbiate abusare

- Il volume lo si ottiene con i chiaroscuri, indipendentemente dalla tecnica usata che sia tratteggiato o pennello a secco, bisogna rendere bene l'idea del volume.
- Nella linea chiara più la linea è grossa più l'oggetto è vicino a noi

Regole Colore

-Dividere le aree con le selezioni prima di iniziare a fare qualsiasi operazione.

- Scegliere le tinte piatte con cura, scegliendo prima un colore base a differenza di che atmosfera ci si vuole dare e infine aggiungerci sopra i colori scelti

- I volumi si lavorano con le maschere (Opzione photoshop) e sostanzialmente segue le stesse regole del disegno dal vero accademico, chiaroscuro, ombre proprie e portate ecc ecc

- Le ombre portate, come nell'inchiostrazione, saranno SEMPRE più scure delle ombre proprie che saranno più morbide

- Se si vuole sfumare con photoshop usate pure il gradient ma dopo nascondete con qualche tocco di pennellata l'utilizzo dello strumento che rendere bbe il tutto rudimentale e piatto

- Variate spesso l'angolo del pennello, nella realtà non sarà mai tondo ma sempre un po' inclinato

- La prospettiva aerea viene utilizzata soprattutto nei campi lunghi e nelle atmosfere nebbiose e/o umide, non abusatene, uno scarso utilizzo ridurebbe credibilità. Ma dona in ogni caso una buona profondità al tutto.
- Ogni scena ha una fase orria con colori determinanti e ogni colore viene contagiato dal colore atmosferico predominante (Esempio: di pomeriggio tutti i colori tenderanno a una tonalità calda) 
-Il colore per essere realistico non deve mai essere troppo saturo
-Il colore deve seguire una scala di graduazione del colore, se in basso a destra c'è un colore un minima parte del medesimo deve trovarsi nella parte in altro a sinistra, poi ovviamente la cosa dipende da variazioni di luce o comunque dell'illustrazione in particolare.
-Ricordarsi che la carta non grammata assorbe il colore in stampa, lavorare senza neri/eliminare i neri 
- Alcuni elementi dell'immagine sono più importanti di altri e vanno evidenziati soprattutto se si tratta di una cover.